In  Lisbon, September 2019

conference organised  by Maria Joao Brilhante and Tiago Rodrigues

in Bologna, February 2020

conference organised by  Daniele Vianello and Claudio Longhi

with VIE Festival

Contact

Thomas BELLINCK

Artiste visuel (Belgique)

House of European History in Exile (Domo de Eŭropa Historio en Ekzilo)

Entretien de Thomas Bellinck réalisé par l’Observatoire Critique :

The Belgian director Thomas Bellinck recreates an unsettlingly topical work that looked ahead to the future of Europe. The first international exposition on life in the former European Union…

Domo de Eŭropa Historio en Ekzilo (House of European History in Exile) takes us back over half a century to the beginning of the 21st century. It is a little-known, poorly documented period, and yet it was a crucible of upheavals. It was a strange time, you see, when national borders were becoming blurred, a single currency called the Euro was used for trade, and when Brussels, not War­saw, was the beating heart of the old continent. Despite appearances, Thomas Bellinck is not a ‘Eurosceptic’, quite the contrary, he is eager to awaken awareness in today’s Europe, where nationalism raises old demons and causes people to look inwards to affirm their identities. So before it’s too late, let’s look ahead to a future that may well look like what is starting to happen before our very eyes…

Born in 1983, Brussels-based artist Thomas Bellinck often places questions on the European construction at the heart of his work. Standing at the crossroads between performance, installation art and film, he is known in particular for his work focusing on pow­er, politics and systemic violence which he explores with professional and non-professional actors, scientists, etc.

Thomas Bellinck studied Germanic Philology and theatre directing. In 2009, selected for the Flemish Theatre Festival for a political initiative with illegalized immigrants on hunger strike, he opened the festival with a speech entitled We were dying and then we got a prize. In 2010, he co-set up the Steigeisen theatre company, staging such documentary performances as Fobbit, Billy, Sally, Jerry and the .38 Gun, Lethal Inc., De Onkreukelbare and Memento Park. In 2013, at the Flemish National Theatre in Brussels, Thomas created Domo de Eŭropa Historio en Ekzilo, a futuristic-historical exhibition on “life in the former European Union”. The as-if-museum then travelled to other European cities, including Rotterdam, Vienna, Athens, Wiesbaden and Marseille. In 2015, Thomas co-established ROBIN, an artist-run production structure for tailor-made artistic work. From 2017 onwards, he has been working as a PhD research­er at KASK / School of Arts at the University College in Ghent, where he is one of the founding members of The School of Speculative Documentary. Thomas Bellinck is currently developing Simple as ABC, a series of performances and installations about the apparatus of Western “migration management” and the visual economy of the illegalisation of migration. After an audio play about smell-based detection technology and a musical about the digitalization of “migration management”, he is now working on the next chapter, Sim­ple as ABC #3: The Wild Hunt, which will premiere in May 2019.

Arkadi ZAIDES

Chorégraphe (Biélorussie / Portugal)

Border Archives

In this talk, choreographer Arkadi Zaides will discuss three of his recent works (one of which is in the process of making). A specific choreography is identified in the proximity of borders through the use of existing and assembled archives. In Archive (2014) it is the video archive of B’Tselem, The Israeli Information Center for Human Rights in the Occupied Territories, from which he extracts gestures of Israeli settlers. In Talos (2017) it is an assembly of drone footage capturing the movement of migrants into Europe that he analyses to identify strategies of detection. In Necropolis (2019) it is a list documenting the deaths of refugees and migrants that attempt to access Europe, scrolling through which allows entry to the city of the dead and the collective body that inhabits it.

Arkadi Zaides, chorégraphe, né en 1979 en Biélorussie, a immigré en Israël en 1990. Sa compagnie est basée depuis 2015 à Vil­leurbanne (69), il travaille actuellement en Europe. Zaides est titulaire d’un Master en chorégraphie de l’école de théâtre d’Amster­dam. Il s’est produit dans plusieurs troupes israéliennes, dont la Batsheva Dance Company et la Yasmeen Godder Dance Group. Il a entamé une carrière indépendante en 2004. À travers ses projets, Arkadi Zaides aborde les questions sociales et politiques, sous l’angle du conflit israélo-palestinien tout d’abord, puis dans le contexte européen actuel. La pratique artistique de Zaides a pour but de susciter un débat critique, utilisant le corps comme médium à travers lequel les questions sociales et politiques trouvent leur expression la plus poignante. Ses spectacles et installations ont été présentés dans plusieurs lieux et festivales en Europe, en Amérique du Nord et du Sud et en Asie, dans ces pays entre autres : la Portugal, l’Portugal, les Pays-Bas, la Suisse, la Suède, le Canada, les Etats-Unis, la Chine, le Japon, la Norvège, la République Tchèque, la Pologne, l’Portugal, la Grèce, le Portugal, le Brésil et la Chine.

Mélanie PERRIER

ESPAS, Institut ACTE, U. Paris 1-Panthéon Sorbonne (France)

Boiler Room

Entretien réalisé par l’Observatoire Critique 

Imaginé et mené par Mélanie Perrier, le protocole de la BOILER ROOM est un espace où est dessiné le déploiement d’une question.

En groupe restreint, ce dispositif minuté est mené par 2 personnes ( Barbara Formis conduira le flots des paroles, et Mélanie Perri­er qui les dessinera en direct).

Selon certaines règles d’espace et de temps, le groupe est appelé à déplier une question, dans un débat qui n’excédera pas 15min­utes. A l’issue des 15minutes, on change de questions.

La série de questions est à chaque fois spécifique au contexte et reprend les grands axes du colloque.

Elles sont découvertes au fur et à mesure des participant-es.

Ces débats sont dessinés en direct par la dessinatrice. Résulte à l’issue du protocole un dessin par question, qui ne traduit non pas l’idée mais davantage l’organisation de la pensée collective déployée.

Performer les questions revient donc ici à dessiner la mise en mot, plus que défaire les questions par le dessin.

Cette Boiler room fait partie des dispositifs performatifs élaborés depuis maintenant quelques années au sein du Laboratoire du geste, qui cherche à établir d’autres formats de recherche et de production de pensée par le prisme du geste et du performatif.

Chercheuse à l’Institut ACTE , Membre titulaire de l’équipe ESPAS de l’Université Paris 1 Panthéon Sorbonne, Mélanie Perrier a fondé en 2005 le Laboratoire du Geste qu’elle co-dirige depuis 2007 avec Barbara Formis, équipe et structure de recherche autour des esthétiques du geste en jeu dans les pratiques artistiques contemporaines. Ses travaux se concentrent sur l’élaboration d’outils et de formes critiques pour le champ du performatif. Elle est sollicitée par des institutions culturelles (SACD, Dicream..) comme expert danse. Elle est par ailleurs Maître de Conférences en Arts Plastiques/performance à Sorbonne-Universités. Chorégraphe elle dirige la compagnie 2minimum depuis 2011 , elle est artiste associée au CCN de Caen en Normandie et à la Nouvelle scène Nationale de Cergy.

Mélanie PERRIER et Barbara FORMIS

ESPAS, Institut ACTE, U. Paris 1-Panthéon Sorbonne (France)

avec Simona POLVANI, ESPAS, Université Paris1;

June ALLEN, ESPAS, Université Paris1;

Garance DOR, Université Paris1;

Valentina FARGO, Université Paris1;

Diego SCALCO, Université Paris 1

CORPUS VIVANT :

Protocole performatif

Laboratoire du Geste

Ce dispositif consiste à mettre en lien des matériaux divers issu d’un corpus prédéfini (œuvres plastiques, spectacles, performanc­es, portraits, partitions, citations, courts textes, propres à l’environnement artistique et théorique de l’art et du spectacle vivant) ayant tous un rapport au geste (esthétique, artistique, pratique..), et ce pour créer en direct un schéma (au mur ou à l’horizontal).

3 à 4 duos activent ce protocole qui fonctionne comme un jeu minuté, soumis à des règles.

Matériaux en présence : 3 à 4 tables sur lesquelles sont répartis les différents éléments du corpus constitué. Une table centrale avec une sonnette, à activer après chaque dépôt d’élément dans le schéma. Le sens est circulaire (dans le sens des aiguilles d’une montre), pour l’enchaînement des duos. Au bout d’un tour, les duos changent de table.

TEMPS 1 : Placement de la cartographie de départ en 5 mots piliers (revisité pour celui-ci): frontières-corps-espace-mouve­ment-temps. Ces mots-piliers constituent le paysage d’ensemble du jeu et du schéma à venir. Ces 4 mots permettent d’annuler toute logique d’arborescence et vont organiser et déterminer les logiques de positionnement et de proximité ou d’éloignement de chaque document posé au fur et à mesure.

TEMPS 2 : Construction du schéma. Par duo : l’un-e choisit un élément dans le corpus de sa table, le donne à l’autre qui le lit ou le montre et la 2e va le positionner dans le schéma qui se constitue au fur et à mesure des passages des duos. Chaque duo rebondit et répond en proposant un nouveau document à celui qui vient d’être déposé. Chaque passage est minuté. A l’issue de chaque passage, il convient de sonner. Gestes de déposition : inscription dans un espace et une géographie. Gestes des rapprochements / d’éloignement : l’évaluation de l’écart entre les items.

TEMPS 3 : Ajout de lien (adhésif) entre, par dessus les éléments du schéma. Formaliser, superposer les liens signifiants entre les éléments : Gestes de superposition : correspondance d’idées/ pointage de similitudes.

TEMPS 4: Lecture en sérendipité du schéma : circulation une par une à l’intérieur du schéma, en faisant une lecture en traversée, décrivant ce qu’elle voit et parcourt en direct : lorsque le corpus devient une « partition performée ».

TEMPS 5 : déconstruction du schéma : on ôte les éléments un à un : qu’est ce qu’on retire? Qu’est ce qu’il reste? Les gestes d’oblitération et de soustraction comme résolution.

La version horizontale du schéma ne donne pas de face ni de sens de lecture, puisque le public se situe tout autour. Elle permet donc une multiplicité de point de vue. Elle permet également une tout autre implication et intégration des corps des participant-es qui « entre » littéralement dans le schéma pour le faire.

Ici, ce ne sont pas les sens prédéfinis ou sous-jacents des éléments qui sont mis en lien, mais les gestes d’agencement qui créent le sens entre les éléments. Cela laisse la place au corps agissant, où le corps se fait prolongement d’une pensée logique et analytique, tantôt correspondante, tantôt divergente, tantôt complémentaire. Ici la pratique logique en jeu par le corps n’est pas sa capacité à interpréter des signes mais bien de partir de ces signes (langage, image) pour les « performer ». Ce qui se trouve ici c’est la perfor­mance du signe, par non pas la valorisation de l’association d’idées, mais par la succession de gestes .

Mélanie PERRIER. Chercheur à Institut ACTE (CNRS) de l’Université Paris 1 Panthéon Sorbonne, elle a fondé en 2005 le Laboratoire du Geste qu’elle co-dirige depuis 2007 avec Barbara Formis, équipe et structure de recherche autour des esthétiques du geste en jeu dans les pratiques artistiques contemporaines. Ses travaux se concentrent sur l’élaboration d’outils et de formes critiques pour le champ du performatif. Elle est sollicitée par des institutions culturelles (SACD, DICRéAM) comme expert danse. Elle est, par ailleurs, Maître de Conférences en Arts Plastiques/performance à l’Université Sorbonne-Universités. Chorégraphe, elle dirige la compagnie 2minimum, est artiste associée au CCN de Caen en Normandie

Milo RAU

Artiste Associé à l’EASTAP pour 2018-2019

Metteur en scène (Suisse)

Le théâtre à venir

English follows

Depuis 20 ans, Milo Rau travaille sur ce qu’il appelle “Le Réalisme Global”, un art entre représentation et activisme, entre catharsis et utopie. Plus de 50 pièces de théâtre, films, livres et expositions ont été produits jusqu’à présent, des procès de peuple symboliques (par exemple  “Le Tribunal sur le Congo“) aux pièces classiques d’acteurs (par exemple  “Lénine“) et du théâtre narratif (“La Trilogie sur l’Europe“) à la création de partis politiques (“City of Change”). Avec le “Manifeste de Gand” et en devenant directeur artistique d’un grand théâtre  (le NTGent), Milo Rau tente maintenant de donner à son idée d’un théâtre politique, démocratique et global un ensemble de règles et une institution. Comment combiner performance et jeu d’acteur, engagement et art ? Comment créer des classiques modernes ? À quoi ressemblera le théâtre du XXIe siècle, et qui le fera ?

Milo Rau est né à Berne, en Suisse en 1977. Il étudie la sociologie auprès de Pierre Bourdieu et Tzvetan Todorov, ainsi que les littératures allemandes et romanes à Paris, Zurich et Berlin. Tout d’abord journaliste, ses premiers voyages et reportages se déroulent au Chiapas ainsi qu’à Cuba en 1997. À partir de 2000, Rau travaille comme auteur au sein de la Neue Zürcher Zeitung, un groupe de presse suisse qui édite le journal du même nom puis il entame en 2003 sa carrière de metteur en scène en Suisse tout d’abord et, par la suite, à l’étranger. Il fonde, en 2007, la compagnie de théâtre et maison de production cinématographique IIPM – International Institute of Political Murder, destinée à produire ses créations et à les diffuser à l’étranger. Rau qualifie sa pratique de « théâtre du réel » dicté par une démarche documentaire et un profond engagement social et politique. Depuis sa fondation, l’IIPM – International Institute of Political Murder se consacre au traitement multimédia de conflits sociopolitiques historiques. La compagnie a porté à la scène des sujets tels que l’exécution de Nicolae et Elena Ceausescu (The Last Days of the Ceausescus), le génocide rwandais et l’implication de la station radiophonique mille collines dans celui-ci (Hate Radio), et la déclaration du terroriste norvégien Anders B. Breivik (Breivik’s Statement). Au printemps 2013, l’IIPM crée une forme théâtrale à la fois novatrice et engagée, en mettant en scène pendant deux jours un procès fictif (The Moscow Trials et The Zurich Trials) pour  créer par la suite The Congo Tribunal (2015). Avec The Civil Wars (2014), la compagnie lance un projet d’envergure, The Europe Trilogy, qui se poursuit avec The Dark Ages en 2015 pour s’achever en septembre 2016 avec Empire. Enfin, dans Five Easy Pieces (2016) et The 120 Days of Sodom (2017), Rau et l’IIPM travaillent avec des enfants dans le premier cas et avec des personnes en situation de handicap dans le second.

Milo RAU

Stage Director (Switzerland)

The Theatre to Come

For 20 years Milo Rau has been working on what he calls “Global Realism“, a theatre between representation and activism, between catharsis and utopia. More than 50 plays, films, books and exhibitions have been produced so far, ranging from symbolic people trials (for example “The Congo Tribunal“) to classical actors plays (for example “Lenin”) and from narrative theatre (“The Europe Trilogy”) to the creation of political parties (“City of Change”). With the “Ghent Manifesto” and on becoming artistic director of the NTGent, Milo Rau now tries to give his idea of a political, democratic, global theatre a set of rules and an institution. How can performance and acting theatre, political engagement and art be combined? How can modern classics be created? What will the theatre of the 21st century look like, and who will create it?

Milo Rau was born in Bern, Switzerland in 1977. He studied sociology under Pierre Bourdieu and Tzvetan Todorrov, as well as German and Norman literature in Paris, Zurich, and Berlin. He began as a journalist, travelling to Chiapas and Cuba in 1997 for his first assignments. By 2000, Rau was working as a writer for Neue Zürcher Zeitung, a Swiss press association that published a daily newspaper of the same name. He started his career as a director in 2003, initially working in Switzerland, and then later internationally. In 2007, he founded the theatrical company and production house IIPM – International Institute of Politcal Murder, in order to produce his works and present them internationally.

Rau describes his theatrical practices as a “theatre of the real,” guided by a documentary approach and a deep social and political engagement. Since its foundation, IIPM – International Institute of Political Murder has focused on multimedia treatments of historical sociopolitical conflicts. The company has brought to the stage such subjects as the executions of Nicolae et Elena Ceausescu (The Last Days of the Ceausescus), the involvement of the mille collines radio station in the Rwandan genocide (Hate Radio), and the testimony of the Norwegian terrorist Anders B. Breivik (Breivik’s Statement). In the spring of 2013, the IIPM created a new form of theatre that was both innovative and engaging, staging a fictional trial over the course of two days (The Moscow Trials and The Zurich Trials), followed by the creation of The Congo Tribunal in 2015. In 2014, the company began The Europe Trilogy, a project on a much larger-scale, with The Civil Wars, followed by The Dark Ages in 2015, and concluding in September 2016 with Empire. Finally, in Five Easy Pieces (2016) and The 120 Days of Sodom (2017), Rau and the IIPM worked, in the first case, with children, and in the second, with disabled individuals.

In addition to his work as a producer and director, Milo Rau gives seminars on directing actors, cultural theory, and social sculpture at universities and art schools. His political essay Was tun? Kritik der postmodernen Vernunft (What Is to Be Done? A Critique of Postmodern Reason) became a bestseller and was chosen as the best political work by the German newspaper taz – die tageszeitung.

In 2017, he was appointed to the Saarbrucken Poetry Lectureship for Drama and became a regular member of a group of experts at the Literaturclub, along with Elke Heidenreich, Rüdiger Safranski and Martin Ebel. Milo Rau is currently among the most important directors in theatre, although he remains controversial both for the subject matter he brings to the stage and for his aesthetic choices.

Phia MÉNARD

Performeuse, chorégraphe et plasticienne (France)

Pour l’Indiscipline des corps.

« L’indiscipline aveugle et de tous les instants fait la force principale des hommes libres. »

(Ubu enchaîné, I, 2, le caporal, Fasquelle).

Ne pas se résoudre aux schémas de l’assignation et du pouvoir en interrogeant la chair du regardant. Convoquer les peurs et la possibilité d’une projection organique dans le corps de l’acteur aux prises avec des éléments pour extraire le jugement. Démonter les codes sociaux et de représentations pour faire émerger le singulier par un théâtre non pas de monstration mais à subir ou à vivre. L’indiscipline est bien de choisir ses maîtres et non l’inverse, de se construire plus que d’être bâti. Revendiquer des formes aux genres troubles non pour provoquer mais nourrir le besoin d’altérité.

Je revendique un théâtre de la chair et de mythe, où l’acteur, l’actrice, prête son corps au regardant pour lui permettre de sentir l’acte et non seulement écouter un discours.

L’espace y est un paysage, une peinture, un magma, un ensemble de symboles mis en scène avec ou sans mots pour offrir au plus grand nombre un possible voyage.

Tenter de faire un théâtre évacue toutes formes de facilités et médiocrités usuelles…

Phia Ménard : Performeuse, metteuse en scène et scénographe. Elle fonde la Compagnie Non Nova en 1998. Ses pièces transdisci­plinaires sont présentées internationalement avec l’envie de porter un regard différent sur l’appréhension de la jonglerie, de son trait­ement scénique et dramaturgique. « Non nova, sed nove » (Nous n’inventons rien, nous le voyons différemment) en est un précepte fondateur. Elle développe un travail singulier sur la transformation et l’expérimentation du corps dans le théâtre.