European Association for the study of theatre and performance


Language and Performance: Moving across Discourses and Practices in a Globalised World

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 Call for papers

European Journal of Theatre and Performance


(proposal deadline: 20 July 2020)

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Language and Performance: Moving across Discourses and Practices in a Globalised World

Guest Editors: Małgorzata Sugiera, Karel Vanhaesebrouck, and Timmy De Laet

Within a globalised world, language can act both as a barrier and facilitator for the circulation and visibility of peoplehoods, practices, knowledges, or traditions. The twentieth and twenty-first century have witnessed an arguably unprecedented diversification of local cultures due to the rapid development of digital technologies and online networks, the expansion of transnational migrations, and the commercialisation of relatively affordable travel. Paradoxically, however, the increased exposure to foreign influences has coincided with a peculiar kind of ‘cultural homogenisation’ (Appadurai 1996) that, at best, recognises indigenous hybridity while striving to promote internal cohesion between diverse populations and which, at worse, flips into nationalist leanings that aim to reinforce borders and protect ‘imagined communities’ (Anderson 1983). In these complex societal and political realities, language either serves to enhance communication between people or it is used as leverage to implement exclusionary ideologies.

It is against this backdrop of a deeply diversified and often divided global stage that this issue of the European Journal of Theatre and Performance wants to reconsider the fairly strenuous debate on the relationship between language and performance, which has surfaced repeatedly yet in various guises in the field of the performing arts. The editors more specifically invite contributions that critically inquire into how language either enables or impedes the creation and development of performance works, the dissemination of scholarly research, or the reconciliation of local traditions with international tendencies in both the arts and academia. The overarching aim of the issue is to shed new light on the intricate connections between language and performance by focusing on the various ways in which performance always operates on the microlevel of concrete practices as well as in dialogue with the macrolevel of larger socio-political and cultural contexts.

Prospective authors are welcome to submit proposals that explore the interplay of language and performance along one (or a combination of) the following four axes:

  1. Aesthetic

Language is vital to many aspects of the performing arts, ranging from creation, production, and performing to spectating, reception, and scholarship. Even in a postdramatic era allegedly marked by the demise of the text’s primacy in theatre, neither writing nor language have disappeared altogether from theatrical practices (Borowski and Sugiera 2010; Boyle et al. 2019). Likewise, whereas dance conventionally foregrounds the moving body as its primary medium, leading to what Rudi Laermans describes as a ‘body humanism’ (2008), both written and spoken words are essential and widely used means for creating and transmitting choreography (Franko 2011). Common belief nonetheless holds that the actual experience of performing or watching a theatre, dance, or performance piece can never be fully captured within the limited means of linguistic expression. To the extent, however, that embodied, verbal, and sensory communication lies at the heart of the performing arts, language and discourse remain crucial to understand how performance engages the senses and generates meaning (Nellhaus 2010; Blair and Cook 2016). Moreover, to clarify the dynamics of what Mikhail Bakhtin aptly termed the ‘dialogic imagination’ (1975) seems all the more urgent in a world in which dialogue and mutual understanding are increasingly under pressure.

Possible topics along this line of inquiry may include (but are not limited to):

  • The mutual feedback between scholarly discourse and artistic vocabularies
  • The textuality of dance, theatre, and performance versus movement expressed through text
  • Writing for the theatre and/or other performative arts in a globalised world
  1. Epistemological

As primarily embodied and time-based art forms, the performing arts have a fraught relationship with languages and discourses, becoming subject to the ‘epistemic violence’ with which Western regimes of thinking have traditionally relegated practical, corporeal, and often tacit knowledges to an inferior status (Conquergood 2002). The attempt to counter this tendency has often isolated bodily knowing from the interaction between embodiment and language as one of the foundations for the acquisition of techniques or skills in training and performing. Conversely, the steady growth of artistic research in especially the European contexts has been raising renewed interest in the question of whether and how the performing arts need discourse to become validated as knowledgeable practices in their own right or whether there might be other formats more suitable for the dissemination of artistic knowledges (e.g., Spatz 2015; Bal and Chaberski 2020; Blades et al. 2021).

Possible topics along this line of inquiry may include (but are not limited to):

  • The interaction between textual archives and embodied repertoires in acting, dancing, and performing
  • The role of language(s) in the acquisition of bodily knowledges, skills, and techniques
  • (Non-)linguistic formats for artistic creation and scholarly communication
  1. Methodological

In various ways, the disciplinary development of the adjacent yet distinct fields of theatre, dance, and performance studies has exacerbated the dichotomous tension between language and performance. For each of these domains, language served as a splitting surface to claim its distinctiveness and to become identified as a specific field of research and practice: whereas theatre studies sought to distance itself from literary studies, performance studies gained its contours in opposition to theatre studies while also dance studies differentiated itself from the former two through its outspoken focus on movement and the dancing body (e.g., Pavis 2001; Bottoms 2003; O’Shea 2010). As such, the stance toward language became part of discursive operations that were shaped by an entangled myriad of intra- and interdisciplinary dynamics. While these legacies still impregnate current views on the role of language and discourse in performance scholarship and practices, they remain to be excavated, particularly with regard to how transnational influences steered local traditions, both artistically and intellectually.

Possible topics along this line of inquiry may include (but are not limited to):

  • Disciplinary genealogies, intellectual histories, and artistic traditions from a friction between local and global points of view
  • Tactics of differentiation and assimilation in performance practices and scholarship
  • Terminology and translatability in discourse and practice
  1. Political

Recent scholarship in theatre, performance, and dance studies has directed attention to multilingualism and migration as two major cultural forces to be reckoned with in both research and practice, often with the aim to undermine the pernicious postcolonial, decolonial, and hegemonic legacies still permeating the arts and societies at large (e.g., Cox 2014; Meerzon and Pewny 2019; Damsholt and Hoppu 2020). In the midst of these concerns, the current field of the performing arts as well as academia appear to be governed by two contradictory movements: whereas globalisation has contributed to a larger international outreach of both practitioners and scholars, the dominant position of English as the main communal language runs the risk of either flattening out onto-epistemic and culturally diverse backgrounds or dividing the field into centres and peripheries. Various countries with a vivid artistic scene and proliferous scholarship experience difficulties in finding their way into a more global network of peers, raising the question to what extent the performing arts can resist reigning political, economic, and social power relations.

Possible topics along this line of inquiry may include (but are not limited to):

  • Multilingualism as a space of encounter and/or conflict
  • Travelling concepts and migrating discourses
  • Linguistic (de)colonisation and (counter)hegemony: peripheries and centres in globalised performance practices and research


  • Proposals should be written in UK English, in MS Word format and be between 600 and 700 words.
  • Please include a brief bio (max. 100 words) in your proposal submission and send it by email to the guest editors (see contacts below).
  • Proposals should specify in which language the article will be submitted. The journal is open to articles written in the language of the author’s preference, but please note that for all articles written in languages other than English contributors will be asked to secure professional proof-reading. Authors may also choose to publish their article in more than one language.
  • Proposals must be based on original, unpublished work not under consideration for publication elsewhere.
  • Submitted articles will undergo a double-blind peer-review process by two anonymous experts.
  • The maximum length of the final article should not exceed 9000 words (including abstract in English and in at least one additional language, references, author bio, etc.).
  • If your proposal is accepted, you will be invited to submit a first draft of your article by 1 October 2020.
  • Publication of accepted articles can only be ensured if authors meet the deadlines included in the schedule below.
  • For more information on the European Journal of Theatre and Performance, please visit: https://journal.eastap.com.


Deadline for proposals: 20 July 2020
First drafts of accepted proposals: 1 October 2020
Final drafts: 20 December 2020
Publication: January 2020


Issue-related enquires and proposal submissions should be sent to the issue’s guest editors:

Timmy De Laet (University of Antwerp, Research Centre for Visual Poetics; CoDa | Cultures of Dance – Research Network for Dance Studies)

Małgorzata Sugiera (Jagiellonian University, Kraków, Performativity Studies Department)

Karel Vanhaesebrouck (Université Libre de Bruxelles, CiASp – Centre de Recherche en Cinéma et Arts du Spectacle)


Anderson, Benedict. 1983. Imagined Communities: Reflections on the Origin and Spread of Nationalism. London: Verso.
Appadurai, Arjun. 1996. Modernity at Large: Cultural Dimensions of Globalization. Minneapolis: University of Minnesota Press.
Bakhtin, Mikhail. [1975] 1981. The Dialogic Imagination: Four Essays.  Edited by Michael Holquist. Translated by Caryl Emerson and Michael Holquist. Austin and London: University of Texas Press.
Bal, Ewa, and Mateusz Chaberski (eds.). 2020. Situated Knowing: Epistemic Perspectives on Performance. London and New York: Routledge.
Blades, Hetty, Scott deLahunta, and Lucía Piquero (eds.). 2021. ‘On (Un)Knowns.’ Performance Research 26, no. 2.
Blair, Rhonda, and Amy Cook (eds.). 2016. Theatre, Performance and Cognition: Languages, Bodies and Ecologies. London and New York: Bloomsbury Methuen Drama.
Borowski, Mateusz, and Małgorzata Sugiera (eds.). 2010. Worlds in Words: Storytelling in Contemporary Theatre and Playwriting. Newcastle upon Tyne: Cambridge Scholars Publishing.
Bottoms, Stephen J. 2003. ‘The Efficacy/Effeminacy Braid: Unpicking the Performance Studies/Theatre Studies Dichotomy.’ Theatre Topics 13, no. 2: 173-187.
Boyle, Michael Shane, Matt Cornish, and Brandon Woolf (eds.). 2019. Postdramatic Theatre and Form. London: Bloomsbury Methuen Drama.
Conquergood, Dwight. 2002. ‘Performance Studies: Interventions and Radical Research.’ The Drama Review 46, no. 2: 145-156.
Cox, Emma. 2014. Theatre and Migration. Basingstoke: Palgrave Macmillan.
Damsholt, Inger, and Petri Hoppu (eds.). 2020. Special Issue ‘In and Out of Norden: Dance and the Migratory Condition.’ Dance Research Journal 52, no. 1.
Franko, Mark. 2011. ‘Writing for the Body: Notation, Reconstruction, and Reinvention in Dance.’ Common Knowledge 17, no. 2: 321-334.
Laermans, Rudi. 2008. ‘“Dance in General” or Choreographing the Public, Making Assemblages.’ Performance Research 13, no. 1: 7-14.
Meerzon, Yana, and Katharina Pewny (eds.). 2019. Dramaturgy of Migration: Staging Multilingual Encounters in Contemporary Theatre. London and New York: Routledge.
Nellhaus, Tobin. 2010. Theatre, Communication, Critical Realism. New York: Palgrave Macmillan.
O’Shea, Janet. ‘The Roots/Routes of Dance Studies.’ In The Routledge Dance Studies Reader, edited by Alexandra Carter and Janet O’Shea, 2nd edition, 1-15. London and New York: Routledge.
Pavis, Patrice. 2001. ‘Theatre Studies and Interdisciplinarity.’ Theatre Research International 26, no. 2: 153-163.
Spatz, Ben. 2015. What a Body Can Do: Technique as Knowledge, Practice as Research. London and New York: Routledge.



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Appel à contributions pour le dossier n°17 de ReS Futurae – LE THÉÂTRE DE SCIENCE-FICTION : PREMIERS ÉLÉMENTS DE CARTOGRAPHIE / Deadline : 15 December 2019

Dossier dirigé par Romain Bionda romain.bionda@unil.ch Plus d’informations : https://resf.hypotheses.org/ Échéances Les propositions de contribution (env. 250 mots), accompagnées d’une brève bio-bibliographie, doivent lui parvenir le 15 décembre 2019 au plus…

Dossier dirigé par Romain Bionda romain.bionda@unil.ch

Plus d’informations : https://resf.hypotheses.org/


Les propositions de contribution (env. 250 mots), accompagnées d’une brève bio-bibliographie, doivent lui parvenir le 15 décembre 2019 au plus tard. Une première version des articles devra être rendue le 15 juillet 2020, pour une parution au premier semestre 2021.

Les auteurs sont invités à consulter les consignes aux auteurs.


Le théâtre a donné à la science-fiction quelques-unes de ses œuvres les plus célèbres, à l’instar de R.U.R. de Karel Čapek, où le terme « robot » apparaîtrait pour la première fois. Il est toutefois rare qu’on fasse une place au théâtre dans les études science-fictionnelles, tout comme il est rare, du côté des études théâtrales, qu’on fasse une place à la science-fiction. Or cette incuriosité réciproque semble exister en concomitance avec une suite de présupposés ne datant pas d’hier et rendant généralement incongrue ou du moins surprenante l’association, dans nos esprits, de la SF avec le théâtre tels que nous pouvons les concevoir — résistance qui ne se présente pas lorsque nous pensons à d’autres arts comme le cinéma et la littérature, où la SF jouit d’une existence explicite et reconnue. Il s’agira ici de mettre en perspective ces présupposés, pour établir dans quelle mesure, à divers moments et en divers endroits, un dialogue a pu se nouer entre cet « art du présent » que serait le théâtre et une science-fiction qui n’est pas simplement un « genre du futur ». S’offrent en effet à l’exploration un important corpus de pièces pouvant à plusieurs égards ressortir à la SF, ainsi qu’un faisceau de discours informant les contours de ce « théâtre de science-fiction ». À quoi celui-ci peut-il ressembler, et quelles œuvres constitueraient son corpus tout au long de son histoire ?

Dans ce numéro de la revue ReS Futurae, il s’agira d’une part d’interroger l’histoire de la SF au théâtre depuis le xixe siècle au moins (les périodes antérieures ne sont pas exclues), des nombreuses adaptations de Frankenstein sur les scènes anglaises aux très récents spectacles se réclamant explicitement de la SF ou qui ont pu être assimilés à ce genre, tels que France-Fantôme de Tiffaine Raffier ou Quitter la terre de Joël Maillard, en passant par les théâtres de l’avant-garde européenne des années 1920. Dans quelle mesure ces œuvres relèveraient-elles de la SF ? Les thèmes et les motifs du genre répondent-ils au besoin ou à l’envie des artistes, dans le contexte artistique, écologique, économique, politique, social, etc., qui est le leur ? La SF interroge-t-elle, ici ou là, les conditions du théâtre ? L’œuvre réalisée est-elle à la hauteur du projet ? La dimension technique des spectacles, notamment par la mise à profit de savoirs dits d’avenir (hologramme, lévitation, prouesses audiovisuelles de toutes sortes, robotique, etc.), utilisés sérieusement ou au contraire tournés en dérision, est-elle par endroits définitoire du genre ? Y a-t-il eu des moments forts, dans l’histoire, où le théâtre et la SF se sont rencontrés ? Et que penser de la situation contemporaine, où la SF semble être en mesure d’assumer de nouvelles fonctions sur nos scènes ?

Il s’agira d’autre part de réfléchir à l’historiographie du théâtre de science-fiction en France et à l’étranger, en interrogeant les catégories génériques actuellement en usage avec lesquelles le théâtre de science-fiction voisine et/ou que le théâtre de SF subsume (utopie/dystopie, post-apocalypse, etc.), en prêtant attention à la dimension diachronique : le terme « science-fiction » étant par exemple plutôt tardif en français, on prendra en compte la diversité des conceptions antérieures telles que « anticipation », « merveilleux scientifique », « voyages extraordinaires », etc. Il pourra être utile, en outre, de s’interroger sur les problèmes posés par la circulation des termes spécialisés dans divers cercles sociaux, où ils sont souvent utilisés de manière assez lâche, loin de leur définition restreinte (à l’instar de « fantastique » et « futuriste »), et sur les enjeux que présente leur traduction dans d’autres langues. Comment les artistes, les chercheurs et les journalistes ont-ils organisé ces différents genres entre eux, « science-fiction » comprise, dans les divers espaces culturels et linguistiques qui sont les leurs, et comment continuent-ils de le faire ? Sur le plan historiographique, un tel début d’inventaire devrait permettre d’évaluer l’éventuel gain et la pertinence d’une (ré)habilitation du terme « science-fiction » pour unifier et stimuler les recherches sur un domaine fragmenté, dont la connaissance s’avère fragmentaire.

Sur la base d’études de cas, l’ambition est d’assembler les premiers éléments utiles à une cartographie du théâtre de science-fiction. Les articles pourront relever de toutes les approches critiques et concerner toutes les aires culturelles et/ou linguistiques. En principe, les articles devront être rédigés en français. Pour tout renseignement complémentaire ou proposition sortant du cadre posé par l’appel, il ne faut pas hésiter à prendre contact avec le directeur du numéro (romain.bionda@unil.ch).

Éléments de bibliographie :

  • « Theatre » (20.10.2011), dans The Encyclopedia of Science Fiction, en ligne, 12.08.2018 : http://www.sf-encyclopedia.com/entry/theatre.
  • TrOPICS, n° 2, Théâtre et Utopie, dir. Françoise Sylvos, en ligne, 2015 : https://tropics.univ-reunion.fr/accueil/numero-2.
  • BIONDA Romain, « Où est passé le théâtre de science-fiction ? Histoire et historiographie d’un genre inaperçu », dans Revue d’histoire du théâtre, n° 282, « Varia », 2019, p. 119-138 ; également en ligne : https://sht.asso.fr/ou-est-passe-le-theatre-de-science-fiction-histoire-et-historiographie-dun-genre-inapercu/.
  • BOURASSA GAUDREAULT Catherine, « Le théâtre de science-fiction d’après Ralph Willingham », dans Jeu, n° 144, Sciences et technologies, dir. Étienne Bourdages, 2012, p. 104-111.
  • CARRERA GARRIDO Miguel, « Teatro 1960-1990 », dans T. López-Pellisa (dir.), Historia de la ciencia ficción en la cultura españolaop. cit., p.  225-249.
  • FORRY Steven Earl, Hideous Progenies: Dramatizations of Frankenstein from Mary Shelley to the Present, Philadelphie, University of Pennsylvanie Press, 1990.
  • KRZYWKOWSKI Isabelle, « Le théâtre des machines », Machines à écrire. Littérature et technologies du xixe au xxie siècle, Grenoble, Ellug, coll. « Savoirs littéraires et imaginaires scientifiques », 2010, p. 154-162.
  • LOPEZ-PELLISA Teresa (dir.), Historia de la ciencia ficción en la cultura española, Madrid et Francfort, Iberoamericana / Vervuert, 2018.
  • Id., « Teatro 1990-2015 », dans id. (dir.), Historia de la ciencia ficción en la cultura españolaop. cit., p. 251-277.
  • MARTIN RODRIGUEZ Mariano, « El teatro hasta 1960 », dans T. López-Pellisa (dir.), Historia de la ciencia ficción en la cultura españolaop. cit., p. 195-221.
  • MILNER Andrew, « Science Fiction and the Literary Field », dans Science Fiction Studies, vol. 38, n° 3, 2011, p. 393-411 ; trad. Julie Stéphanie Normandin et ReSF, dans Res Futurae, n° 6, 2015 : https://journals.openedition.org/resf/749.
  • PLASSARD Didier, L’Acteur en effigie. Figures de l’homme artificiel dans le théâtre des avant-gardes historiques : Allemagne, France, Italie, Lausanne, L’Âge d’homme, coll. « Théâtre années 20 », 1992.
  • RUSS Johanna, « Towards an Aesthetic of Science Fiction », dans Science Fiction Studies, vol. 2, n° 6, 1975, p. 112-119 ; trad. Samuel Minne, dans ReS Futurae, n° 2, La Science-fiction, rue d’Ulm, en ligne, 2013 : https://journals.openedition.org/resf/291#ftn1.
  • VERSINS Pierre, « Théâtre », Encyclopédie de l’utopie, des voyages extraordinaires et de la science-fiction (1972), 2nde éd., Lausanne, L’Âge d’Homme, 1984, p. 878-880.
  • WILLINGHAM Ralph, Science Fiction and the Theatre. Contribution to the Study of Science Fiction and Fantasy, Westport CT, Greenwood Press, 1994.
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